カテゴリ:楽譜( 4 )

楽譜を眺めてみる(その4)~ ウォーリーを探せ

 前回はたくさんの旋律が同時に演奏される例を見てみたけれど、今回は一つの旋律を何度も使う例を見てみる。
 最初はピアノから。ショパンの有名な別れの曲をリヒテルの演奏で聴いてみる。



 この曲の楽譜の、最初のページ(画像をクリックで拡大)。全曲の楽譜はこちら
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 この曲に現れる二つの旋律に注目する。
 まずはこれ。




 伴奏を省くとこうなる。




 次はこれ。



 これも伴奏を省き、さらに旋律の形を上下逆さにしてみる。




 この二つの旋律を使ってショパンは次の曲を作った。




 楽譜はこれ。
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 これはショパンの練習曲集作品10の4番。つまり、別れの曲(作品10の3番)の次の曲。この二曲は、同じ主題を使って作曲された双子、あるいは一つのものの二つの側面ということになる。
 これが偶然や僕のこじつけでないことは、ショパン自身が別れの曲の楽譜の最後に"Attacca il presto con fuoco"、つまり「次のプレスト・コン・フォーコ(作品10-4のこと)に切れ目なく続けるように」と指示を書き込んだことから明瞭に分かる。この書き込みは出版に際して削除され、今でもほとんどの版では削除されたままになっているけれど、僕が持っているヘンレ原典版の楽譜ではこの指示が残されている。
 ショパンはただ甘美な曲を書いただけの作曲家ではなくて、こういう構成力の点でも飛び抜けたセンスを持つ人だった。


 この作品10-4をリヒテルの信じられないような凄まじい演奏で。





 このリヒテルとは対極的で、しかもたまらない魅力を湛えた演奏がこれ。ピアノの詩人、アルフレッド・コルトー。同じ曲から、こうも違った音楽が生み出されるとは!






 このような特定の少数の素材からの音楽作りということにかけて、真髄を極めた作曲家がブラームス。交響曲第2番を例にとる。かなり説明がしつこくなるけど、そういう曲だから仕方ない。これでもだいぶ簡略化しているので、あきらめて付き合って下さい。



 第1楽章の楽譜の最初のページ。全曲の楽譜はこちら

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 この最初の旋律がこの曲を理解する鍵になる。ここでは便宜上、主題1-aと主題1-bと名付けることにする。また、主題1-aと1-bを合わせて主題1と呼ぶことにする。


 この主題1は、あらゆる形で第1楽章に何度も何度も現れる。たとえばこれ。



 これは主題1-aの展開。



 1-aと1-bを重ねた例(音色の選び方が恣意的ですみません)。





 2楽章の詳細は割愛。今回は、冒頭のチェロの主題が下降音階になっていることだけを覚えておくことにする。これを主題2としておく。
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 3楽章の冒頭は再び主題1が戻ってくる。ただし、1-aの部分が上下逆になっている。これを主題3と名付けることにする。繰り返すけど、これは主題1の変形に過ぎない。
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 この主題3は、この楽章中で何度か形を変えて出てくる。

 次の部分は主題3と全く同じ音型で、リズムだけが違う。

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 こちらの例は主題3を上下逆にして、リズムを変えている。

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 第3楽章は、徹頭徹尾ひとつの主題だけから構成されているのだ。


 続く4楽章。冒頭のメロディーは、またしても主題1。
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 この最初の4つの音は、主題1の最初の4つの音と全く変わらない。そしてこの第4楽章には、もう想像がつくと思うけど、この主題1が繰り返し現れる。
 そしてそれと同時に、この4楽章の冒頭の旋律には、新たに4度(ドとファの間隔)の要素が加わっている。これを主題4と名付ける。
 また、第2楽章で現れた下降音階(主題2)も使われていることに注目。この楽章は、第1楽章で現れた主題1と、第2楽章で現れた主題2、そしてこの楽章で新たに加わった主題4で構成される。


 冒頭の旋律から主題4+主題2の部分と、その出現例二つを続けて。二つ目の例は、一つ目の例の上下を逆にしたものになっている。






 主題1の出現例を二つ続けて。一つ目は伴奏も主題1(ただし上下逆)。二つ目は主題2も加わった例。





 この曲で主題探しを始めるときりがないので、この辺りで切り上げることにするけれど、この曲がどう組み立てられているかはある程度伝わったのではないかと思う。興味のある人は楽譜を詳しく調べてみると、ここに書いていない部分にも大量に同様の例を見つけることができるだろう。ある旋律の上下を反転させた形にも注意すると、本当にいろいろと見つかる。この曲では、探さなくても初めからウォーリーしかいない。


 この曲はブラームスの田園交響曲などと呼ばれることもあって、牧歌的で明るい曲想が人気だけれど、楽譜を細かく見ていくと、その余りにも緻密で執念深い主題の展開に、むしろ息の詰るような構成の厳しさを感じずにはいられない。それでいて、この曲には人工的なにおいはなく、交響曲の名に恥じない(音楽としての)大きさを持っている。驚くべき作品だ。
 ブラームスはドヴォルザークが美しい旋律を次々に生み出すことを賞賛して、「彼の屑かごの旋律を使って一曲仕上げることができる」と評したというのは有名な話だけれど、これは一方で、彼自身がわずかな素材から堂々たる交響曲を一曲仕上げてしまえることの自信の裏返しのようにも僕には聞こえる。



 ブラームスの他にもこの手法を多用した作曲家はいる。ベートーヴェンもそうだし(ブラームスはベートーヴェンに倣ったところが大きいのだろうし、むしろベートーヴェンを本家と言うべきか)、意外なところではラフマニノフもそうだ。著作権が切れていないので楽譜の例は出せないけれど、彼の交響曲第2番も、冒頭の旋律だけで全曲が組立てられていると言っても過言ではない。


 個人的には、こういうことを知って何になる、という気がしないでもない。音楽の構造はあくまでも表現の手段であって、目的ではないと思うから。とはいえ、クラシック音楽には確かにこういう構造的な一面があるのも事実で、何よりもこういうことが分かってくると面白いのだ。
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by voyager2art | 2011-01-21 08:36 | 楽譜

楽譜を眺めてみる(その3)~ ひとりでできるもん

 前回に更に引き続いて対位法の話。ただし今日はオーケストラではなくピアノ。第1回でリズムの極端なマーラーの9番の例を採り上げたけど、ピアノだと一人の人間が10本の指で弾くという制約があるので(現代音楽だったら腕全体でたくさんの音を弾いたりもするけど)、さすがにああいう極端な対位法はピアノでは物理的に不可能になる。
 とはいえ、ピアノの世界でも数多の作曲家が多くの曲を書き、それらの作品にピアニストたちが挑んできた歴史がある。彼らの天才と努力と霊感が築き上げてきたピアノ音楽には、ときに信じられないほど高度な対位法を実現したものがある。


 最初の例はバッハ。対位法の音楽について話すときにバッハを外すことはできないだろう。もちろんバッハの時代には現代のピアノはなかったけれど、彼は少なくとも鍵盤楽器のためには作曲をしたのだし、その作品の多くは、多彩な音色のコントロールが可能な現代ピアノで演奏されたときに、その深い魅力をより明確に表す。

 対位法といえばバッハというのと同じように、バッハ演奏から切り離せないピアニストがグレン・グールド。彼が世を去ってもう30年近くになるけれど、いまだに彼の演奏は素晴らしい輝きを放ち続けている。その彼の代表作、ゴールトベルク変奏曲(1981年録音版)を採り上げてみる。今回選ぶのは、その中から第18変奏。
 楽譜はこれ(クリックで拡大)。全曲の楽譜はこちら
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 右手の二本の旋律は、一方の旋律を音程を変えて、2拍ずらしただけで形はまったく同じ。こういう形式をカノンと呼ぶ。これは6度(ドの音とその上のラの音の間隔)ずらしているので、6度のカノン。

 この、最初に出て来る旋律だけ取り出すとこうなる。これだけ聴くと平凡な旋律。


 これを6度ずらす。平凡なのは当然変わらない。


 この二つを合わせると、途端に面白くなってくる。


 伴奏を付けてできあがり!




 この曲のグールドの演奏はこちら。第18変奏は動画の0:58から。



 グールドはこの曲の前半部を繰り返したときに、パート間のバランスを変える。最初に弾いたときは左手の旋律を強調しているのに対し、繰り返したときには右手の最初に出てくる旋律を浮き立たせ、他のパートを後ろにまわす。この切り替わりの鮮やかなこと! 繰り返したときに左手の旋律の音色を変えて音量をぐっと落とすので、聴き手はちょっと意表を突かれるようなかたちになって、その美しさにぐっと引き込まれる。
 これに対して、後半部分をグールドは繰り返さない。繰り返さないけれど、この後半部をさらに前後半に分けて、その中で音色の差をつけている。この美的バランス感覚の絶妙な洗練が素晴らしい。

 また、右手のカノンは完璧なレガートで弾き、左手は鮮やかなノンレガートで弾く。ノンレガート奏法はグールドの代名詞のようになっていて、例えば上の動画の最初に出てくる第17変奏なんかは彼のノンレガートのすごさがよく分かる。ノンレガートなのによく歌い、しかもリズムは精緻を極めていて、気品のある生気と表現力にあふれている。第18変奏でいえば、カノン部と伴奏部の対比を作ることで音楽が立体的になり、表情の深みが増す。このレガートとノンレガートの対比は、上の動画の第19変奏などでもよくわかる。



 バッハの例をもう一つ。平均律クラヴィーア曲集第1巻から、一番最初の前奏曲。グノーが旋律をつけてアヴェ・マリアの歌にした、有名な曲だ。ここではリヒテルの演奏を採り上げる。


 楽譜はこちら
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 この曲は、ぱっと聴いただけだと、分散和音が繰り返されるだけの非常に単純な音楽のように聴こえる。でも楽譜をよく見てみると、実は3つのパートからできていることが分かる。

 バス声部。



 そこに内声部が乗る。退屈かも知れないけど、ちょっとだけ我慢我慢。



 更に上声の分散和音が乗る。




 これを踏まえて、もう一度リヒテルの演奏を聴くと、何か気付きませんか?


 リヒテルは、バス声部をわずかに強調気味に弾き、一方で内声部はくぐもった音色でかなり控え目に弾く。そしてその上に、静謐な上声部を重ねる。何よりこの演奏の素晴らしいのは、バス声部が全曲を通して、静かだけど非常に息の長い旋律として、極めて美しく歌っているところだと思う。まるでこんこんと涌き出し続ける泉の澄んだ水のように、純粋で透き通った音楽がひたすらに流れ続ける。ピアノによる対位法演奏の極致がここにある。



 対位法音楽が書かれたのは何もバロック時代だけではない。時代は飛んで19世紀後半のフランスから、ドビュッシーの作品を見てみる。「映像」第2集の1曲目、「葉ずえを渡る鐘(Cloches à travers les feuilles)」は、僕の大のお気に入りの曲。この曲の楽譜の最初のページを載せる(全曲の楽譜はこちら)。音楽が非常に複雑なので、ドビュッシーはここでは伝統的なピアノ用の二段譜ではなく三段譜を用いている。
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 最初の2小節間は単純ながら既に2声部で、続く3小節目から一気に4声部に増える。その後も複雑に入り組んだ楽譜が続く。
 ドビュッシーのピアノ曲を聴くとなると、やはりベネデッティ=ミケランジェリは外せない。繊細かつ鮮やかな音色と音響のコントロールは余人の追随を許さなかった。


 この曲の楽譜の4ページ目はこうなっている。
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 このページの3小節目からの、最上段のパート。3度で動く最上声部と、その下で細かく動く声部を右手で同時に弾かないといけない。こういうところは二つのパートをはっきりと分離させるのがとても難しい。でもミケランジェリはそれを見事にやってのける(動画は1:38から)。ここはYoutubeではなくて、CDを買ってちゃんとした再生装置で聴いたほうが分かりやすい。


 画質は悪いけど、ミケランジェリが同じ曲を弾いた動画もある。冒頭部分の二つのパートを弾き分けるために、彼がどうやって音色に差をつけているかがはっきりとわかる。これも正規のDVDが出ているので、興味のある人にはおすすめ。



 この多声部の弾き分けということについては、バッハで例に出したリヒテルも本当にすごい。同じ曲の彼の演奏。



 次回は少し別の話題にするつもりです。
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by voyager2art | 2011-01-19 07:12 | 楽譜

楽譜を眺めてみる(その2)~ 二兎を追うもの、三兎四兎を追う

 前回は導入編として、楽譜を見ていると様々なパートの動きが目に入るという話をした。気分が乗ってきたので、これをもう少し具体的に追ってみる。

 最初に使うのは、前回と同じワーグナーの「ニュルンベルクのマイスタージンガー」から第1幕への前奏曲。





 この中の、前回も例に出した愛の動機の部分を抜き出す。


 この旋律だけを取り出す。





 次に冒頭の部分。


 これも旋律だけを取り出して、音域を変えてみる。





 次に、親方の入場の動機。


 これはかなりコミカルに変えてみる。





 これを全部一度に鳴らす。




 これが最初の動画の6:53くらいからの部分(僕の作った音声ファイルは楽器の割当てが無茶苦茶なので、ぜひ最初の動画で確認を!)。3つの旋律を一度に鳴らして、ちゃんと音楽にしてしまうワーグナー。彼は対位法の達人だった。
 該当部分の楽譜を以下に添付(クリックで拡大表示)。全曲の楽譜はこちら

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 次の例は、同じくワーグナーの「トリスタンとイゾルデ」から第1幕への前奏曲。


 ワーグナーはマイスタージンガーでは3つの旋律を重ねたけど、トリスタンとイゾルデの前奏曲では実に4つの主要主題を重ねた。
 最初の主題は冒頭の、「愛の憧憬の主題」と呼ばれるもの。チェロの旋律と、木管楽器の旋律に分けて、木管楽器の旋律はトランペットに移す。




 トランペットの音がおかしいのは使っているソフトの制約なので、ご容赦を。

 序奏の後、チェロが奏でる主題。愛の動機とか、愛の魔酒の動機、などと呼ばれるもの。動画では1:53から。これをすこしデフォルメして木管楽器に移す。

 
 弦楽器による上昇音階は「法悦の主題」と呼ばれるものの一部。動画の6:07あたりから。



 これらを全部一緒にして、和音を添えると、この前奏曲のクライマックス部ができあがる。


 上の動画だと7:17あたりから(これもちゃんとした演奏で再確認して下さい)。これだけの主題を一度に鳴らしておきながら、音楽は人工的になるどころか、官能の嵐が吹き荒れる強烈なエクスタシーの表現になっている。ワーグナー自身「トリスタンとイゾルデ」を「奇跡だ」と評したというけれど、僕も本当にこれは奇跡的な音楽だと思う。こうやって音声ファイルを作っているだけで、もうワーグナーの毒が回ってくる。
 ちなみに「愛の死」についても、この楽譜シリーズでいつか採上げたいと思っている。

 これも楽譜を添付。僕の例は1枚目の4小節目から。全曲の楽譜はこちら(前奏曲のみの楽譜もある)。

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 まだまだ続きます。
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by voyager2art | 2011-01-18 06:33 | 楽譜

楽譜を眺めてみる(その1)

 クラシック音楽の予習をするときに、絶対に見てみると面白いのが楽譜。僕も今でこそ怠け者になって楽譜を開く機会が減ったけど、昔は電車の中で一心に楽譜を読み耽ったりしていた。朝から通勤電車の中で「トリスタンとイゾルデ」の愛の死の楽譜を開き、一人でひどく感動したりして、まったく変人もいいところだった。
 でも本当に読む価値はあると思うので、楽譜を開いて何が見えるのか、ちょっと書いてみることにした。もちろんこれはあくまでも単なる音楽好きが趣味でこうやって楽譜を眺めているということの紹介であって、プロはもっと真剣に楽譜と向き合っていることを忘れちゃいけない。


 まず思いつきで、誰でも知っているベートーヴェンの運命の冒頭を見てみることにする。楽譜なんか持っていない、という人もご安心を。今はインターネット上で、著作権の切れた作品の楽譜がほとんど何でも手に入る。IMSLPというサイトから、ベートーヴェンのページを検索して、運命(Symphony No.5)のページに飛んでみる。

 ここでFull Scores(日本語では総譜と言って、オーケストラの全パートを並べた楽譜のこと)のところに、いくつもファイルがある。一番上にあるのは何とベートーヴェンの自筆譜。こんなものまでネットで手に入る。ただし手書き譜は読みにくいし、ベートーヴェンは悪筆で有名なので、ここは清書したものを見てみる。上から二つ目のファイルをダウンロード。

 ファイルを開くと、最初は表紙があったりなんかして、あの有名な冒頭の楽譜はファイルの7ページ目から(画像をクリックで拡大)。
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 よく「ジャジャジャジャーン」と言ったりするけど、楽譜をよく見ると最初は休符で、正確には「ンジャジャジャジャーン」(「ン」は発音しない)なのだと分かる、というのはこのブログを読む皆さんならもうご存知だろう。
 でもこうやって改めて眺めてみると、例えばこの冒頭が弦楽器だけでなく、実はクラリネットも参加しているという奇妙な事実にも気がつく。現代のオーケストラではクラリネットの音は弦楽器に埋もれてしまうけど、作曲当時の楽器だと、弦楽器だけの演奏よりも音色が豊かになったのかもしれないし、じゃあピリオド楽器による演奏だとどう聴こえるのだろうか、という興味が涌いてきたりもする。

 こうやって楽譜を見ていると、音の動きが形として目に入ってくるので、音を聴いているだけだとなかなか気付かない細かい点に気付くことになる。さっきの運命の冒頭のクラリネットなんかがそうで、近現代の複雑な音楽だけでなく、古典的で一見単純なような音楽でも、楽譜を見ていて気付くことが多い。


 楽譜を眺めていると、旋律以外の音に敏感になる。音符の動きが目に入ってくると、不思議なことに耳もその動きを追うようになる。例えば、マーラーの4番の冒頭を見てみると、鈴の音とそれに合わせた1、2番フルートに乗って、3、4番フルートが旋律を奏でる。



 普通に聴いているとこの鈴とフルートばかり印象に残るけど、楽譜を見るとこれに沿って動くクラリネットの伴奏が嫌でも目に入る。
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 この伴奏は一度気がつくと次からはずっと聴こえてくるけど、楽譜を見ないとなかなか最初からは意識しにくい。でもこの伴奏の動きが見えてくると、音楽が立体的に聴こえてくるようになる。
 時間のある人はそのまま楽譜を見ながらこの曲を聴いてみると、この音楽がいかにたくさんのメロディーを同時に鳴らしているかよく分かると思う。


 楽譜を見ていると、鳴っている音に比べて随分簡素な楽譜だなと思う場合と、逆に聴こえる以上に複雑な楽譜だなと思う場合がある。前者の例はリムスキー・コルサコフやチャイコフスキー(ただし悲愴は結構込み入った楽譜だ)、それからサン・サーンス。後者の筆頭はラフマニノフで、ワーグナーもそう。ラヴェルなんかは聴こえる通りに複雑、という感じ。


 コンサートの予習として楽譜を見る場合、僕は(旋律以外の)各パートがどう動いているのかを見るのと同時に、それぞれのパートがどう絡んでいるのかという点にも興味を持って見ている。それが音楽の表現に密接に関わっているからだ。
 例えば、先にも挙げたワーグナー。彼は管弦楽の大家で、人間の精神の襞の、本当に微細なところまで描き尽くした。その一つの例として、ニュルンベルクのマイスタージンガーから、第一幕への前奏曲を取りあげてみる。



 このオペラの楽譜も、IMSLPで手に入る

 壮麗に始まるこの曲、中ほどで愛の動機の音楽が流れる。上の動画だと4:04くらいからのところ。該当部の楽譜を以下に添付。

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 はじめのうちは1st Violinが旋律を奏でる一方で、クラリネットやヴィオラなどが裏でひっそりと、でも多彩な旋律を奏で、ヴァイオリンを支える。そのうち、上の楽譜でページが変わったあたり(動画だと4:20くらい)から、様々な楽器が入れ替わり立ち替わり旋律を奏でるようになる。
 この部分の楽譜を見ると、それぞれの旋律で八分音符と三連符が交替するだけでなく、楽器間で八分音符と三連符がぶつかっていることもわかる。こうすると、同じ時間に二つの音と三つの音を並べることになるので、どうしても双方でリズムが食い違ってぶつかることになる。それによって、数字では割り切ることのできない人の心のたゆたいが見事に表現されることになる。
 こうやってリズムがすっきり割り切れない例は、ロマン派以前にももちろんあった(モーツァルトにも出てくる)けど、こうやって積極的かつ執拗に使うようになったのは、やはりロマン派以降、ワーグナーのように心理をより深く表現するようになってからだ。


 こうやって、2:3のリズムをぶつけることで心理がより深く表現できるようになるのであれば、もっと複雑なリズムをぶつけたらもっと微細な心理が表現できるようになるのではないか、という考えは決して突飛なものではないだろう。そして実際に音楽史はその通りに進んだ。3:4でリズムをぶつけたり、更には5連符をぶつけてみたり、という例が出てくる。それも、奇抜な現代音楽ではなく、人気のある交響曲にすらそういう例がある。
 ここでクイズ。その曲とはいったい何でしょう?


 ヒントはこれ。その曲の一部を取り出したもので、主旋律にあたるヴァイオリンは外している。


 別の楽章からもう一つ。ここでも主旋律のパートを外している。こっちの方がだいぶ分かりやすいかな。





 主旋律が入ると、最初の例はこうなる。


 主旋律入りの二番目の例。





 そう、正解はマーラーの9番。最初の部分は1楽章からで、二番目の例は4楽章から。こうやって主旋律抜きのを聴いてから普通のを聴いたら、主旋律以外の音の動きも聴けるようになって、音楽を深く理解できると思いませんか?

 これも一応楽譜を添付。

【一番目の例(上の音声ファイルは3小節目から)】
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【二番目の例(上の音声ファイルは3小節目から)】
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 ちなみに一番目の例は、リズムこそ3:4まででそれほど複雑ではないものの、主旋律を外すとシェーンベルクか誰かの書いた、いわゆる現代音楽のように響く。マーラーは調性を限界まで拡げたとよく言われるけれど、これを聴くとマーラーは既に限界を超えていたとしか言いようがない。

 二番目の例はリズムのひずみがすさまじい。ほとんど支離滅裂というレベルで、お互いに全く調和しないリズムと旋律がいくつものたうち回っている感じ。もうマーラーの心は張り裂けんばかりになっていて、それを何とかして音にしようとすると、もうこうするほかなかったのだろうと思えてくる。
 マーラーは音による心理描写の点で、ワーグナーの手法を拡大して更に一歩深いところへ到達したと思う。それが、この楽譜からわかってくる。

 ここから更に一歩を踏み出して、じゃあこういう音楽をどう演奏したらいいか、というところまで考えられたら予習としては完璧だろう。上のマーラーだったら、各パートの奏者が髪を振り乱して弾くような激情型がいいのか、あるいは敢えて冷静さを保って知的で精度の高い演奏をした方が、曲自体の異常さと音楽の持つ強烈な叫びが強調されるんじゃないか、等々。
 そんなことを考えている時間はとても楽しい。そして演奏会に行ってみて、指揮者とオーケストラがどういうアプローチをするのか確認すれば、自分自身も音楽の創造のプロセスに加わることができるのだ。
 なんて偉そうなことを言いながら、僕は最近こういうことを全くやっていないのだけれど。



 楽譜については色々と書きたいことがたくさんあるので、時間をかけて何回かに分けて書いていくことにします。



 
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by voyager2art | 2011-01-16 09:45 | 楽譜


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